Концепция
Mother Mother (изначально известная как Mother) – канадская группа, образованная в 2005 году и состоящая из пяти членов: Райана Галдемонда (гитара, вокал), Али Сиадата (ударные), Майка Янга (бас-гитара), Молли Галдемонд (клавишные, вокал) и Джасмин Паркин (клавишные, вокал).
Группа была создана Райаном Галдемондом, позже пригласившим свою сестру Молли и подругу Дебру-Джин Крилман. Целью было сделать вокал основой их музыки. Женские голоса помогали сделать звук более разнообразным.
Mother Mother сильно выделялась на фоне мейнстримных исполнителей. Характерной чертой являлось сочетание интересных гармоний, креативных шумов и вокальных особенностей в песнях (например, дыхания). Их музыка была странной, и это завораживало. За пятнадцать лет своего существования группа собрала небольшую, но преданную фан-базу, состоящую из таких же странных людей, не принятых обществом.
Как пишет Рейн Фишер-Куанн, «их музыка была андрогинной по духу, бесстыдно громкой, изобилующей пронзительными гитарными риффами и вспышками неоновых инструментов; лейблы были сбиты с толку звучанием группы, искажающим жанры, и их музыка часто была слишком странной для радиоэфира. По сути, мир был ещё не готов к Mother Mother».
Однако все изменилось в 2020 году, когда в соцсети TikTok завирусились старые альбомы группы, в особенности Touch Up и O My Heart. Такие песни как Arms Tonite, Hayloft и Burning Pile сильно резонировали среди подростков и молодых людей, испытывающих трудности с гендерным самовыражением и не вписывающихся в общественные нормы.
Реакция Галдемонда была чем-то между шоком и вдохновленностью: «Меня поразила сама культура: косплей, гендерная флюидность, свобода самовыражения и повышенная креативность. И то, как эти дети себя вели, и как они реагировали на музыку. Всё было очень красочно, очень театрально, и всё это происходило в их спальне во время пандемии».
«Меня вдохновило то, что они сделали изначально, затем их вдохновило то, что сделал я, а теперь меня вдохновляет то, что сделали мы. Это синергия огромного масштаба».
Mother Mother, 2022, Press
Mother Mother была моей любимой группой еще с подростковых лет, поэтому у меня сформировалось особенное отношение с ними. Я знала, что хочу проанализировать их музыку и понять, что делает ее такой особенной. Однако это невозможно сделать, не изучив то, откуда Mother Mother берет свои корни.
В данном визуальном исследовании я рассмотрю промежуток времени с 1970-х по 2000-е, а именно таких исполнителей как Дэвид Боуи, Queen, Кейт Буш, Talking Heads, Pixies и Modest Mouse с целью найти уникальные черты в их музыке, которые позже найдут себя в песнях Mother Mother.
Материал для исследования выбирался, основываясь на достоверности источников. Использовались статьи и интервью, предоставляющие точный анализ музыки. Помимо этого, в визуальном исследовании будут присутствовать мои собственные наблюдения.
Цель этой работы — изучить музыку прошлых лет и распознать ее влияние в песнях Mother Mother. Весь материал будет в основном идти в хронологическом порядке.
Анализ
Дэвид Боуи – британский рок-музыкант, известный во всем мире. Одной из его главных особенностей является то, как он по-сути превратил рок-музыку в театральное искусство. Артист менял образы, костюмы, даже манеру пения в зависимости от роли и имел по меньшей мере пять главных персонажей: Зигги Стардаст, Аладдин Сэйн, Хэллоуин Джек, Измождённый Белый Герцог и Слепой Пророк.
Согласно статье Роба Вайнерт-Кендта, «даже когда он был самым крутым рокером, Боуи всегда относился к рок-н-роллу как к отрасли шоу-бизнеса, как к театру — не столько к кувалде, призванной уничтожить культуру предыдущего поколения, сколько к программе саботажа, схеме захвата тел, которая позволила бы ему использовать ее инструменты, некоторые из которых были забыты или вышли из моды (мим, дрэг, дадаизм), чтобы создать что-то по-настоящему новое».
Дэвид Боуи в образе Зигги Стардаст, 1973, Масаеки Сукита
Зигги Стардаст был его первым персонажем. Если верить словам Вайнерт-Кендта, роль была рождена «из потребности Боуи защитить себя от общественного внимания. Зигги позволял Боуи быть самим собой». Его голос был высокий, несколько эфирный. Подача была игривой и театральной, но при этом сырой.
Аладдин Сэйн был вдохновлен личным опытом Боуи и исследовал сложности психических заболеваний, что видно по имени. Он сохраняет гламур, свойственный глэм-року, но добавляет напряжённость. Голос иногда звучит немного мрачнее или более фрагментарно. Хэллоуин Джек же кажется более резким и приземленным. В его голосе нет сладости или вычурности, как у Зигги. Больше потертости и шероховатости.
Дэвид Боуи в образе Хэллоуин Джека, 1974, Барри Шульц; Боуи в образе Измождённого Белого Герцога, 1976, Эндрю Кент
Голос Измождённого Белого Герцога звучит более холодным и отстраненным. Он элегантный, но безэмоциональный. Вокал зачастую более сдержанный, местами почти монотонный, даже в какой-то мере разговорный.
Слепой Пророк, являясь последним альтер эго Боуи перед его смертью, обладает жутким и сильно обработанным голосом, благодаря чему он звучит не как певец, а как нечто потустороннее, чего он, думаю, и добивался.
В песне "Ziggy Stardust" (1971) мы как раз можем наблюдать способность Боуи примерять разные роли. Несколько персонажей с минимум четырьмя разными голосами говорят о Зигги.
Queen - это британская рок-группа, известная своими грандиозными, почти оперными композициями. Но главной их особенностью было то, как они записывали свои вокальные гармонии. Их голоса переплетались, создавая объёмный, можно сказать оркестровый звук с помощью «мултитрекинга». Фредди Меркьюри, Брайан Мэй и Роджер Тэйлор пели одновременно, дополняя друг друга. Queen показали, что рок-группа может звучать как симфонический оркестр, используя только голоса и инструменты.
Queen — Bohemian Rhapsody (50th Anniversary Edition), 2025
Теперь рассмотрим по-подробнее, как они достигли такого эффекта. Согласно статье Сонни Ванде Путте, «мультитрекинг заключается в создании записи и последующем воспроизведении этой записи с наложением новой (даб) поверх неё. Таким образом, можно записывать слой за слоем и создавать всё больше звука. Три вокалиста могут разместить бесчисленное количество вокальных партий на одной линии и звучать как гигантский хор».
«Bohemian Rhapsody» (1975), безусловно, является самым известным синглом группы. Сложно встретить человека, который бы о нем не слышал. Даже среди с виду похожих песен он выделяется своей структурой и аранжировкой. В нем нет куплета или припева, нет повторяющихся секций, что заставляет задуматься о том, как он получила свою популярность.
Andything в своей статье на WordPress подмечает, что “структура «Богемской рапсодии» не так уж необычна, как можно подумать. На самом деле, в ней используется самая известная структура, которая существовала на тысячелетия раньше формата куплет/припев и даже музыки: «Богемская рапсодия» следует «Путешествию героя» Джозефа Кэмпбелла практически ритм в ритм.” И это действительно слышно во всех шести секциях песни. Она ощущается как полноценная история.
Кейт Буш была одной из самых инновационных артисток своего времени. Она доказала, что женский голос может быть главным экспериментальным инструментом. Она пела не “красиво” в традиционном смысле. Буш кричала, шептала, меняла интонации. Её песни были эмоционально интенсивными, странными, многослойными. Певица контролировала каждый аспект своей музыки и самостоятельно продюсировала свои альбомы, что было редкостью для женщин в 70-80-х, при этом не боясь быть эксцентричной.
Кейт Буш выступает в Париже, 1979, Getty Images
Если обратиться к «Hounds of love», первое, что бросается в глаза, — это то, что Буш берет много рисков своим голосом. Как пишет Ян Пенман, «в ней было гораздо больше высоких и низких регистров, гораздо больше аффектации (в хорошем смысле), гораздо больше игры. Часто кажется, что она подчиняется ритму очень личной церемонии с её тактовыми размерами и фактурами.»
Послушаем, наверное, самую известную песню певицы «Running Up That Hill» (1985). Ян Пенман обращает особое внимание на последние минуты песни: «С приглушённым припевом Кейт, исполняемой на нескольких треках: кричащей, скорбящей, колдовской, разбитой, звуковой пеной, поднимающейся над рваным судом песни. Это действительно очень странная песня. По крайней мере, она царапает и трётся о распущенную грань между экстазом и отвращением, что было, скажем так, нетипично для мейнстримовой поп-музыки 80-х.»
Talking Heads принесли в рок тревожную энергию и угловатость. Их музыка звучала неспокойно. Ритмы были дёрганными, вокал Дэвида Бирна был напряжённым, будто на грани срыва. Они использовали элементы фанка, африканских ритмов, электроники, создавая звук, который был одновременно танцевальным и психологически напряжённым.
Talking Heads, 1979, Норман Сифф
