«Деградация» или «Эволюция» современной музыки

1. Концепция
2. Научный подход 2.2. Искусственный интеллект или «объективное» восприятие мелодии 2.3. Наполнение текстов
3. Ghostwriter или откуда берутся слова
4. Цитирование, сэмплирование
5. Феномен Моргенштерна
6. Соцсети и медиа 6.1. YouTube 6.2. TikTok 6.3. Spotify
7. Заключение
8. Источники

Многие не единожды слышали или даже принимали участие в дискуссиях на тему «деградации» музыки. «Раньше было лучше», «Разве это музыка?» — эти и другие комментарии сыпались как из рога изобилия на новых исполнителей.

Можно предположить, что так считает старшее поколение, зацикленное на старомодных песнях, которое не способно воспринять новые тенденции. Произведения искусства не раз встречались с непониманием и несогласием публики к экспериментальным культурным нововведениям: то, что сейчас считается классикой, раньше было увлечением только маргинальной молодежи или субкультур.

Музыка была и остается отражением социокультурных течений. Возможно, изменения во вкусах молодежи связаны с переоценкой общественных ценностей и предпочтений.

Реакция слушателей на новые топ-чарты побудила провести исследования, пытающиеся доказать деградацию музыки и найти этому справедливые доказательства. Исследования затрагивали структурные элементы, такие как ритм, темп, гармония, мелодия. Также было уделено внимание восприятию музыки дифференцированными по возрастным и культурным признакам группами людей и рассмотрены технологические факторы.

С потерей оригинальности в некоторых жанрах современной музыки связаны следующие аспекты.

Во-первых, с появлением новых технологий создание музыки стала гораздо доступнее, что привело к тому, что музыканты могут легче «скопировать» звучание других исполнителей. Это может создать впечатление, что в некоторых жанрах музыкальное творчество стало менее оригинальным и инновационным.

Во-вторых, с развитием интернета и цифровых платформ распространения музыки, музыкальная индустрия стала доступнее для новых артистов, чем увеличила их концентрацию в сети, что также влияет на творческие процессы. Потребность во внимании слушателей в условиях информационного перенасыщения приводит к использованию проверенных, а не оригинальных приемов и звучания, что, в свою очередь, создает впечатление потери оригинальности у слушателей.

В-третьих, коммерциализация музыкальной индустрии стимулирует создание «массового» звучания и текстов, что приводит к упрощению и потере оригинальности в некоторых жанрах.

Цель визуального исследования — это найти ответ на вопрос: почему за последние десятилетия, несмотря на развитие технологий, записи и распространения, музыку стали писать хуже, и по каким причинам часть слушателей воспринимает сегодняшнее музыкальное звучание, как уступающее предшествующим сочинениям. Или музыка на самом деле изменяется под влиянием новых инструментов, социокультурных тенденций и вкусов аудитории, а каждая эпоха приносит в общество необходимые публике произведения и новаторские подходы к творчеству?

Важно отметить, что восприятие деградации или прогресса в музыке часто зависит от индивидуальных предпочтений и культурных контекстов. Отсутствие объективного стандарта усложняет задачу оценки качества или направленности эволюции музыкального искусства. Поэтому важно будет начать с объективной стороны вопроса и рассмотреть исследования, основанные на математических вычислениях.

В 2012 году Высший совет по научным исследованиям Испании (CSIC) провел изучил вопрос эволюции современной западной музыки. Прогресс в сфере искусственного интеллекта позволил специалисту по ИИ Жоану Серра провести беспрецедентный по масштабу анализ: программа обработала 464  411 различных музыкальных записей, написанных в период с 1955 до 2010  года. Такое количество контента равносильно 1200 ней беспрерывного прослушивания аудиокомпозиций.

Записи охватывают множество популярных жанров, включая рок, поп, хип-хоп, металл и электронику. Подробные описания охватывают три основных музыкальных аспекта: питч (высота тона), тембр, и громкость.

Под громкостью понимается внутренняя громкость композиции — не та, которой может управлять слушатель. Речь идет о восприятии человеческим ухом колебаний амплитуды.

Высота тона соответствует гармоническому содержанию произведения, включая его аккорды, мелодию и тональные аранжировки.

Тембр, а точнее, тембральное разнообразие, отвечает за цвет звука, текстуру или качество тона и может быть связан с типами инструментов, методами записи и некоторыми выразительными способами исполнения.

Во многих композициях три этих параметра были стабильно предсказуемы на протяжении первых 50  лет, что говорит о конвенционализме в производстве музыке того времени.

С каждым годом музыка становилась все громче — это превратилось в так называемую «Войну громкостей». Продюсеры были уверены, что это помогает продать как можно больше альбомов, тем самым поднимая планку раз за разом. Вместе с увеличением громкости с помощью компрессии из композиций стали уходить «штрихи» — акценты и оттенки теряются из-за усреднения звука. Ради более удобного продвижения и проигрывания на разных устройствах, звук уплотняли, сокращая динамический диапазон дорожки.

В 60-х годах тембральное разнообразие достигло своего пика, а после заметно снижалось в каждым годом. CSIC выделил в этой закономерности тенденцию на упрощение музыкальных композиций: простейшие музыкальные фразы, которые точно понравятся всем, стараются использовать как можно чаще, чтобы собрать большую аудиторию.

Однако не только музыка менялась, но и тексты. Ученые из Технологического университета Лоуренса в Мичигане провели количественный анализ изменений в текстах популярной музыки за семь десятилетий, с 1950-х по 2016  год. Кэтлин Напье и Лиор Шамир проанализировали тексты более 6000  песен, входящих в Billboard Hot 100 каждый год. Статистика выявила, что выражение гнева и печали в популярной музыке с течением времени постепенно увеличивалось, а радости — уменьшалось.

В 2017 небольшое исследование провел Дэн Курия и представил в своем блоге результаты своего анализа на тему интеллектуального уровня текстов песен. Он использовал индекс удобочитаемости, так же известный как Flesch— Kincaid readability tests. Индекс удобочитаемости может быть рассчитан на основе нескольких факторов, включая длину предложений, длину слов и частоту использования наиболее распространенных слов. В конце анализа, инструмент выдает примерный возраст читателей и соответствующий ему уровень образования.

Курия проанализировал 225 песен в 4  различных жанровых категориях с 2005 до 2014  года, выбирая из тех композиций, которые продержались в топе чартов более 3-х недель.

Результаты оказались неутешительные: среди текстов популярных треков за последние десятилетия не нашлось достаточно сложных текстов, с которым не справился бы американский третьеклассник.

Песнями с самыми умными текстами, по мнению Курии, можно считать треки в жанре кантри со средним индексом удобочитаемости в 3,3. Дальше второе место делят рок и поп — 2,9. А вот ритм-н-блюз и хип-хоп отстают больше остальных: с рейтингом 2,6.

Это в первую очередь связано с редкостью слов, подбираемых для жанра кантри: названия географических мест, использования диалектов и нестандартной грамматики.

Слова и их сложность можно объяснить жанром, но общие тенденции снижения качества лирики нельзя списывать на появление новых направлений — в конце концов, тогда можно говорить и о качестве этих направлений.

Писатель-призрак или «гострайтер» — это автор, который создает контент для другого человека, и тот презентует этот труд под своим именем, причем, имя настоящего автора нигде не указывается. Это своего рода фриланс для музыкантов, которые готовы за определенную сумму продать не само произведение, а факт его интеллектуального обладания.

Самым первым «гострайтером» в мире музыки можно назвать Вольфганга Амадея Моцарта. Он писал композиции не только для театральных пьес, но и для богатых покровителей, которые хотели произвести впечатление на публику, как выдающиеся композиторы, презентуя труды Моцарта, как свои собственные.

В современной музыке это очень распространенное явление. С одной стороны, такие писатели могут помочь авторам преодолеть арт-блок или помочь новичку в раскрутке. Но в большинстве своем, музыкальная индустрия использует это для увеличения скорости производства. Чем больше песен получится написать, тем больше времени у исполнителя остается на саму запись. А скучная работа с текстом становится лишь финансовым вопросом.

Это выгодно и для самих райтеров. И не всегда это мешает им взойти на пьедестал славы. Можно быть популярным писателем-призраком, но держать в секрете своих заказчиков и строить свой образ на публичных выступлениях и слухах в определенных кругах. Так например Геннадий Фарафонов, так же известный под псевдонимом RICKEY  F, обладает репутацией востребованного гострайтера и признается, что этот род деятельности и приносит ему основной доход.

Не делает ли гострайтинг музыку однотипной — вполне возможно. Само название явления намекает на то, что истинный талант остается за ширмой, и по итогу, мы получаем лишь продукт повторной переработки, а не предмет искусства, рожденный из желания и чувств автора. Да, тексты и стихи это все еще искусство, но факт того, что они пишутся под предпочтения заказчика, стирает личность творца, и превращает эту часть написания песен в конвейерное производство.

Некоторые треки являются новыми версиями более старых песен, сменяя или оставляя первоначальные названия. В некотором смысле это обедняет музыку и делает ее однообразной.

Композиции перепевают в разное время: спустя десятилетия или всего лишь через год. Исполнители «копий» могут принадлежать к разным жанрам, эстетикам. И тем не менее, это не будет считаться плагиатом, если преподнести все новшества правильно.

За счет нового жанра, вокала и звучания, трек может приобретать новые идеи и смыслы.

Например: пост-панк версия Альянса «На заре» звучит совсем иначе, чем инди-поп перепев Монеточки. Новый трек звучит оригинально, хотя использует ровным счетом тот же текст, поэтому и отсылает к первоисточнику, вроде как выказывая тем самым уважение к другим исполнителям.

На оригинал Альянса было сделано около 5  каверов, но этот считается одним из самых популярных и «самобытных».

Кроме копирования текста и динамики песни, стоит отметить такой нетривиальный способ копирования, как сэмплы.

Изначально, сэмплирование подходило тем, у кого не было финансовой возможности писать музыку самостоятельно. Но по мере развития стиля, это перестало быть вынужденной мерой и, в конце концов, стало своего рода изюминкой в жанре рэпа и хип-хопа.

Ограничений на запрет повторения элементов чужого авторства не было. За счет простоты сэмпл-подхода, со временем он распространился на все жанры музыки, в том числе и на рок направление, которое, изначально, старалось держаться от этого явления особняком.

Как пример сэмплирования в электронной музыке: Kanye West —Stronger и Daft Punk  — Harder, Better, Faster, Stronger.

Четкой грани между «плагиатом» и «вдохновением чужими работами» не существует. В рамках каждого отдельного случая причина сходства может варьироваться.

Перепев или цитирование может создать совершенно другое настроение за счет аранжировки и смены жанра, соответственно — это новая музыка, преподнесенная на старых волнах. Использование фрагментов из старых песен подчеркивает оригинальность и качество уже написанных треков, но не ставит крест на новых исполнителях. Наоборот, это можно считать за находчивость и предприимчивость, когда в уже существующее вдыхают новую жизнь и развивают под потребности нового слушателя. Это соединяет всю музыкальную культуру одной линией и объединяет поколения.

Эстетика бунтарства сопровождает Моргенштерна во всем: и в визуальном образе, и в написании текстов и даже в выступлениях. Он поддерживает идею «ленивого» творчества: тексты пишутся экспромтом, на концертах исполняются лишь небольшие части трека самостоятельно.

Артист не видит смысла выступать под минус — по его словам, люди приходят «потусить» на концерты, а не вслушиваться в голос кумира. Моргенштерн сравнивает себя с диджеем, чьи выступления публика ровно так же тепло принимает, несмотря на то, что у него заранее заготовлен материал и он просто проигрывает его с пульта с нужными эффектами. Но сам исполнитель делает намного больше — подпевает своим же трекам, где считает уместным.

В интервью Моргенштерна с Юрием Дудем были и разговоры о «воровстве» музыки, довольно свободные. Моргенштерн выражается открыто, без попытки оправдываться: «…просто надо было, […] сделал». Можно подумать, что треки — не предмет искусства, выставляемый в музеях, а простой рабочий материал, по ценности сравниваемый с бухгалтерским отчетом.

«Изиреп» — серия видеопародий Моргенштерна на YouTube, в которых он показывал, как можно воссоздать любой трек за пять минут, даже если он сделан именитым артистом и собрал миллионы фанатов.

Повторяя приемы других артистов и пытаясь их высмеять, Моргенштерн сам стал популярным исполнителем благодаря тому, с чем «боролся».

Это сразу раскрывает несколько фактов. Во-первых, треки теперь не так сложны в производстве, как раньше. А во-вторых, множество треков являются пересказанными попурри из предшествующих песен разных жанров.

Как однажды компакт-диски заменили пластинки и кассеты, так и в дальнейшем в дисках была утрачена нужда: все благодаря достижениям в сфере технологий записи и хранения данных.

Интернет позволил хранить и воспроизводить музыку практически с любого устройства, в который встроен динамик. Сервисы по прослушиванию музыки, такие как Spotify или YouTube, стали аналогом легального потребления музыкального контента. И, в какой-то мере, повлияли на производство.

Видеоряд YouTube позволил расширить аудиторию для исполнителей: теперь новых слушателей можно было привлечь интересным клипом на любой вкус и цвет. Да, телевидение открыло доступ к этому еще задолго до популярности сайта. Важно отметить, что телевидение вынуждено планировать свою программу, которая претендует на вкусы и потребности аудитории, сидящей перед экраном. YouTube, в свою очередь, предлагает своего рода свободу пользователю найти и посмотреть клип с любимым треком. Более того, он рекламирует группы через раздел «Рекомендации».

Человеку свойственно выбирать сочную, яркую картинку. Таким образом, незнакомый с творчеством группы пользователь может перейти по ссылке из интереса к обложке. Это увеличивает число просмотров от новых слушателей и расширяет аудиторию. Их это, в свою очередь, процент выплаты роялти исполнителю.

Выходит, что для успешности музыкальной композиции требуется не хорошее звучание, а оформление, виральность, инфоповод. В случае наличия перечисленного, на самой музыке даже можно сэкономить. Иногда достаточно не продуманных аккордов и партий, а завлекающей обложки и клик-бейтного названия под ней.

TikTok стал популярен сравнительно недавно: даже с запуском в 2016  году, его потенциал стал заметен в 2020  году.

Короткие видео, каждое из которых не длиннее рекламного ролика. На телевидении и YouTube мы стараемся это пропускать, а здесь смотрим такой контент добровольно, даже особо не выбирая — ролики нам подбирает сама платформа.

Гигантская аудитория, которая захватывает даже детей младшего школьного возраста, оказывается падкой на «челленджи» — особый вид вирусных видеороликов с музыкальным сопровождением, под которое принято выполнять какое-то действие: чаще всего танцевать и открывать рот под слова. Они мотивируют рядовых пользователей, которые до этого занимали свое место перед экраном, принять участие в общем ажиотаже и показать себя. А для артистов это хороший способ саморекламы.

Так, например, группа LittleBig запустила челлендж сразу же после презентации своей новой песни «Uno» для Евровидения и пригласила пользователей TikTok присоединиться к событию. На YouTube можно найти компиляцию на 40  минут бесконечной подтанцовки к „Uno» по хэштегу: #unovisionchallenge.

Аудиторию привлекает чувство причастности к популярным произведениям, и чем проще повторить мировой хит, тем ярче проявляется симпатия зрителя.

Артисты могут протестировать на своей аудитории TikTok новую песню, написав только один куплет. Это сужает задачу музыканта: от создания полноценной аудиозаписи остается только цель сформировать яркий кусочек на десяток секунд — сниппет. Получается, мы наблюдаем, как соцсеть способствует упрощению музыки через сокращение длительности композиций.

С другой стороны, важно будет отметить, что пользователи действительно могут воздвигнуть на пьедестал действительно талантливых музыкантов, в обход продюсерам и СМИ, которые не смогли разглядеть чей-то потенциал. Непопулярный исполнитель, но вовремя нашедший свою аудиторию, может раскрутиться с самого нуля, если его произведения действительно привлекают внимание слушателя.

Аудитория сама контролирует музыкальную индустрию своими симпатиями, выражающимися в комментариях и лайках. Ради реакций, исполнители готовы жертвовать уникальным звуком и использовать похожие паттерны при составлении композиции.

Например, мало кто знал о венесуэльском певце Дэнни Оушене, до тех пор, пока в сентябре 2017 года он не выпустил трек под названием «Me  Rehú so». Этот музыкальный произведение принесло ему огромный успех, благодаря платформе Spotify. Когда трек начал получать все большую популярность в чартах, Spotify заметил это и оказал певцу поддержку, добавив его трек в несколько популярных плейлистов. Благодаря только платформе Spotify, трек собрал рекордные 261 миллионов прослушиваний. В результате успеха „Me  Rehú so» , Оушен заключил контракт с известным лейблом Warners.

Можно сказать, что во многих изменениях, коснувшихся звучания, виновата сама аудитория. Она сама принимает решение, что именно предпочитает слушать. Исполнители анализируют обратную связь и стараются соответствовать пожеланиям аудитории, даже если это заставляет их производить не слишком оригинальные треки.

Таким образом, можно сделать вывод, что изменения в музыке зависят не только от того, какие подходы применяются при производстве. Важным еще оказывается фактор того, для кого создается контент.

Несмотря на развитие музыкальной индустрии, появление новых специалистов, таких как гострайтер, цель которых освободить время исполнителей — музыка, действительно, в каком-то плане стала намного проще. Графики неумолимо «скатываются», математически доказывая факт как минимум стагнации, а как максимум — деградации музыки и со стороны текстов песен и со стороны мелодий.

Однако, музыка меняется благодаря новым технологиям: новым инструментам создания, редактирования и проигрывания песен. Новые подходы в сочинениях и продвижении через социальные сети и стриминговые сервисы тоже повлияли на изменения. Но не совсем в худшую сторону, а следуя потребностям нового слушателя.

Аудитория сама подбирает себе плейлисты — и исполнители подстраиваются под ее запросы. Иногда, для этого приходится прибегать к хитростям и уловкам: повышать громкость, брать вдохновение и фрагменты из ранее написанных композиций с нужным настроением, просто перепевать популярных артистов, чтобы привлечь их аудиторию.

Люди не стремятся отсеивать простую музыку от сложной. Они стремятся к тем песням, которые вызывают у них эмоции. И им совершенно не важно, как именно музыканты достигают этого эффекта.