Рок-графика 1960–1970-х годов
Рубрикатор
1. Концепция 2. Психоделия: визуальные эксперименты 3. Глэм и арт-рок: дилемма художника 4. Заключение 5. Источники
Концепция
Визуальные образы в рок-культуре 1960–1980-х годов передавали довольно комплексные идеи не через текст, а через форму. Обложки альбомов и концертные афиши тогда были главным способом донести не только информацию о дате или названии группы, но и настроение, отношение, даже политическую позицию. Делали они это, без горы лишних слов. Конечно, им помогал контекст, и символы. Которые молодежь тогда очень активно производила и использовала. Но некоторые плакаты и сегодня, без всяких контекстов, меня, сытую студентку из России — цепляют.
Мне близки изображения с простой композицией, сильными силуэтами и ограниченной цветовой палитрой — чаще всего чёрно-белые с одним акцентом.
Но тот психодел который художники творили тогда, сложно переоценить. Настоящий подвиг, так подобрать цвета, чтобы аж глаза обжигало. И это при всех типографских ограничениях и сложностях. Восторг!
Короче, материал я отбирала по одному принципу: если текст не разобрать, но меня потряхивает от обилия информации — подходит. Поэтому в исследовании нет перегруженных текстовой инфой работ. Акцент сделан на тех примерах, где графика плаката это уже часть переживания. Хочешь больше? Приходи на концерт.
Исследование поделено на три части, хронологически.
Первая: психоделические афиши конца 1960-х. Здесь шрифты изгибаются, цвета контрастируют, линии вибрируют. Такая себе, хаотичная попытка визуально передать состояние, близкое к музыке того времени.
Вторая часть: глэм и арт-рок. Обложка Aladdin Sane — хороший пример. Тут у нас продуманные, но все еще сценические образы, начинают транслировать беспокойство альтернативных артистов. А беспокоятся они о том, можно ли быть художником, если тебе за это платят.
Третья часть: панк и пост-панк. Здесь графика становится проще, но не слабее. И в ход идет не только типография, но и все за ее пределами. Как говорится, подробности — читайте далее.
В общем, на уровне концепции я не преследую цели противопоставить «искусство» и «коммерцию». Наоборот, именно через коммерческие форматы (винил, афиши, плакаты) визуальные идеи становились массовыми. Протест, не смог бы разгореться, если бы в свое время не продался. И в этом нет ничего странного.
Ключевой вопрос: Как рок-графика 1960–1980-х годов умела передавать смысл, используя минимум визуальных средств?
Гипотеза: потому что лучшие обложки и афиши делали не как анонс, а как часть перформанса. Логичное продолжение музыки, только визуальное.
Психоделия: визуальные эксперименты
Wes Wilson
— считается отцом психоделического стиля в типографии. Он изобрёл новый способ писать. Вопреки всем современным законам коммуникационного дизайна, его шрифты не предназначались для быстрого чтения.
Наоборот: буквы изгибались, переплетались, «плавились», как будто под воздействием музыки. Wilson говорил, что если ты не можешь прочитать надпись с первого взгляда — это нормально. Главное, чтобы ты почувствовал её.
Он работал в условиях жёстких типографских ограничений — дешёвая бумага, ограниченная палитра, ручная печать. Но именно это заставило его искать выразительность в форме.
Сегодня его работы выглядят не как ретро, а как живой крутой арт объект. И лично у меня, ещё вызывают то лёгкое головокружение. Потому что Wilson не анонсировал концерты. Он создавал ощущение.
Victor Moscoso —
был одним из немногих и самым известным из психоделических художников, кто получил академическое художественное образование. Он отучился в Йельской школе искусств и знал теорию цвета не понаслышке. И это очень чувствуется. Такую дисгармонию, случайно не сделать.
Его любимый прикол —
контрастные пары цветов, — оранжевый и синий — красный и зелёный — фиолетовый и желтый Их сочетание, заставляло изображение буквально вибрировать, мерцать на бумаге. Это не оптическая иллюзия в смысле «смотрите, как круто», а физиологическая реакция: глаза устают, начинают «видеть» движение там, где его нет.
Grateful Dead
Большинство психоделических афиш работают за счёт цвета: контраст, вибрация, «обжигающие» оттенки. У Grateful Dead по-другому. Они не душат кислотными цветами. У них перегрузка смыслами.
Hipgnosis for Genesis: «The Lamb Lies Down on Broadway»
Тут у нас уже полный отказ от психоделической перегрузки. Чёткие, вырезанные вручную чёрно-белые кадры, собранные в визуальный нарратив.
Hipgnosis работали по сценарию Питера Гэбриэла: каждый фрагмент — кадр из истории о Рэйле, подростке, потерянном в Нью-Йорке.
Фотографии снимали в негативе, потом печатали, вырезали ножницами и склеивали в коллаж — так, будто это страницы графической новеллы. Никаких мистических символов «для атмосферы», никакого хаоса. Только сюжет, композиция, персонаж.
Эта афиша идеально отражает главный сдвиг 1970-х: музыка больше не про «всех нас», а про одного — с его страхами, горястями и радостями.
Визуальный язык может говорить без слов — и при этом оставаться массовым.
В эпоху психоделии художники искали способы передать изменённое сознание через форму: шрифты извивались, цвета конфликтовали, композиции распадались на вихри. Это был не хаос, а попытка сделать глаза «слышать» музыку.
К 1970-м запрос изменился. Музыка стала личной, нарративной, театральной — и графика последовала за ней. Обложки превратились в кадры из вымышленных биографий: Боуи как инопланетный принц, Рэйл как подросток в аду Нью-Йорка. Здесь уже не растворяли зрителя, а представляли персонажа. И вместе с ним — его внутренний конфликт.
Но ни психоделия, ни глэм не противопоставляли себя коммерции. Наоборот — именно через винил, афиши и плакаты их идеи становились частью повседневности. Протест, тревога, театральность — всё это доходило до людей не через галереи, а через музыкальные магазины.
Источники
